The Hound of Heaven

El espacio independiente Homesession presenta The Hound of Heaven is Always Watching, un proyecto del artista residente Tommy Coleman. 

A partir de una escultura móvil de gran escala, que tiene como objetivo interferir en el espacio, y una serie de dibujos realizados durante su estancia en Homesession, The Hound of Heaven is Always Watching explora un espacio de cambio donde todo lo que encontramos es constantemente inconstante. En el mundo visualmente elaborado por Tommy Coleman, esta variable inconstante nos observa, nos persigue y se burla de nosotros desde cerca pero sin mostrar todo su ser. En los trabajos escultóricos y de técnica mixta de Coleman se entrelazan los hechos y la ficción, lo documental y lo cotidiano, para navegar por un mundo de humor y ansiedad. 

Graduado recientemente en MFA por la Universidad de Yale, Tommy Coleman es un artista visual originario de Jupiter, Florida. En su trabajo investiga sobre los límites de la escultura, interesándose por la activación de los objetos capaces de participar en una narrativa más compleja sobre el artista como creador, así como por la capacidad de las esculturas de tener una identidad autónoma

The Hound of Heaven is Always Watching
18 febrero de 2017 a las 19h
Homesession
Creu dels Molers, 15
Entrada gratuita

Publicado el 13 de febrero de 2017.

London City

La Sala Parés inaugura la exposición London City, un retrato sentimental de la capital inglesa de la pintora realista Neus Martín Royo. 

Neus Martín Royo (Barcelona, 1968) nos presenta un viaje personal por sus espacios urbanos favoritos de la ciudad de Londres a partir de 25 pinturas al óleo que retratan, de forma realista, algunos de los paisajes irónicos de los barrios londinenses de Nothing Hill, Chelsea, Covent Garden, Candem y Hackney. "London City es un retrato sentimental y personal de la ciudad", explica la artista, que ha estado más de dos años preparando esta muestra.

Londres se suma así a la lista de ciudades que la artista ha retratado en varias exposiciones como Barcelona, La Habana, Lisboa o Nueva York, entre otras. Así, en London City, Neus Martín nos traslada tanto al interior de las pintorescas tiendas de antigüedades de Portobello Road como a las casas coloridas y elegantes de Nothing Hill, y nos permite pasear contemplando las fachadas de los numerosos cafés, restaurantes, pubs y tiendas que han poblado la experiencia londinense de la artista, convirtiéndonos en espectadores privilegiados. 

Inauguración: 16 de febrero a las 19:30h

London City
Del 16 febrero al 14 marzo
Sala Parés
Petritxol, 5
Entrada gratuita

Publicado el 13 de febrero de 2017. 

Tiempo es de que sea tiempo

N2 Galería presenta por primera vez en Barcelona el impactante trabajo del artista tinerfeño Juan Carlos Batista


La capacidad de Juan Carlos Batista (Tenerife, 1960) de combinar en imágenes de gran belleza la sensibilidad artística y la consciencia crítica, hacen de él un artista imprescindible en los tiempos que corren. Tras presentar en el TEA su exposición antológica Realidad casi humo, y simultáneamente a su actual muestra en el Centro de Arte La Regenta, titulada Casi humo, llega a N2 Galería con Tiempo es de que sea tiempo, un recorrido por los distintos conflictos bélicos, desde la primera guerra mundial y la guerra civil española, hasta la actual guerra en Siria. 

Batista construye imágenes surrealistas a partir de la manipulación digital de fotografías históricas, obras de arte e imágenes de archivo. Dentro del mismo territorio conceptual trabaja también la escultura en madera, resina y poliuretano. A partir de algo tan dramático como la guerra, el artista se vale de la belleza y de la ironía para movernos a la reflexión y reivindica la importancia de la conservación de la memoria histórica, no solo por justicia con las víctimas sino también por su valor paradigmático. Tiempo es de que sea tiempo es también una llamada de atención, ya que a pesar de las traumáticas experiencias bélicas de principios del siglo XX, seguimos cometiendo los mismos errores, como si no hubiéramos aprendido nada de ellos.

Inauguración: 16 de febrero a las 19h

Tiempo es de que sea tiempo
Del 16 febrero al 24 marzo
N2 Galería
Enric Granados, 61
Entrada gratuita

Publicado el 13 de febrero de 2017. 

Open House

LAB 36 presenta el último y más ambicioso proyecto de Gino Rubert Open House, un encargo site specific de casi nueve metros de largo. 

La relación de complicidad y confianza entre artista y protector y el gran formato del encargo, han incidido en el proceso de trabajo de Gino Rubert (México D.F., 1969) llevándolo a reformular y sofisticar su lenguaje para terminar desplegando una galería de personajes y situaciones sin precedentes. 

Open House es un retrato familiar en el que las referencias, alusiones, citas y guiños al mecenas se funden con los personajes y ambientes característicos del artista. El emblema personal del comitente -una V descansando sobre el valle de una M- diseñado por Gino para la ocasión, lo encontramos fundido en el hierro de una puerta y tallado en la madera de una silla. Algunos de los familiares aparecen retratados con una ironía dulcemente perversa: la suegra convertida en una niña-anciana que arrastra a su hija-muñeca; el padre, transformado en un niño-viejo de tres ojos; o la esposa e hijo, reencarnados en títeres andaluces. Y, por supuesto, Vicenç, el comitente del proyecto, como anfitrión, ofreciendo una "caldereta de sirena" en un gesto que recuerda al de las figuras de donantes que aparecen en los polípticos medievales.

Inauguración: 16 de febrero a las 19:30h

Open House
Del 16 al 22 febrero
LAB 36
Trafalgar, 36
Entrada gratuita

Publicado el 13 de febrero de 2017.

Autogestión

La Fundació Joan Miró presenta una exposición colectiva que explora la vigencia de la idea de autogestión en el mundo del arte contemporáneo. 

La exposición Autogestión presenta una genealogía de artistas que desde los años sesenta hasta la actualidad han desarrollado estrategias para recuperar la autoridad sobre su propio relato. Además, esta muestra también es un intento por comprender el arte reciente y constatar la vigencia de estas dinámicas. Entre los artistas expuestos encontramos obras de Esther Ferrer, Joan Hernández-Pijuan, Michelangelo Pistoletto, Sílvia Gubern, Cesare Pietroiusti, Jiri Kovanda, Henk Peeters o François Curlet.

La continuidad de las posiciones cercanas a la idea de autogestión podría explicarse actualmente por condiciones contextuales como el abaratamiento de los costes de producción o la crisis institucional. Muchas iniciativas recientes se han adaptado a este escenario para mantener su actividad cultural asumiendo un elevado valor de riesgo y un claro compromiso con su tiempo. La autogestión está vinculada también a una voluntad de los artistas a no ceder la explicación de su obra a una interpretación externa y reclamar la gestión de lo que, probablemente, sea su único capital: el deseo de gobernar su propia emisión.

Inauguración: 15.02.2017 / 19h

Autogestión
Del 16 febrero al 21 mayo
Fundació Joan Miró
Parc de Montjuïc
Entrada: 7€

Publicado el 13 de febrero de 2017. 

Derby Bakora

La galería etHALL presenta Derby Bakora, una exposición individual de Lucía C. Pino.

El título de la exposición, Derby Bakora, remite por un lado, a la industria del motor y a las competiciones deportivas y, por el otro, a la higuera de bacor, albacor o albacora (del árabe al-bakura), que es parte del legado árabe en la zona de levante. La muestra mezcla así higos y restos de motos, tubos, resinas, grasa. Material sólido comprendido como organismo. Materia vibrante, fluido seco. Cosas aparentemente remotas se relacionan ahora de manera natural. En Derby Bakora, la artista propone un ejercicio escultórico donde descentralizar la optimización de recursos en beneficio de la experimentación, considerando que el poder post-disciplinario opera en un espacio de flujos, turbulento, que se ordena por medio de la modulación.

En la investigación de Lucía C. Pino (Valencia, 1977) se solapa la observación, la evaluación, la asignación y la superposición de diferentes capas de temporalidad y consistencia. Su trabajo se expande generando un complejo de experiencias movimiento, peso, tensión, desempeño estructural, contrapunto formal y ritmo, generando resonancia e interacción entre el espacio y la persona que lo experimenta, más allá de las imágenes retinianas aisladas. Este empeño revela algunas tensiones dialécticas, como en una especie de conversación sobre la subjetividad y el vitalismo de las cosas, que pone en evidencia su estar también político o su interés excediendo lo antropológico.

Derby Bakora
Del 03 febrero al 18 marzo
etHALL
Joaquin Costa, 30
Entrada gratuita

Publicado el 03 de febrero de 2017. 

Talleres infantiles en la Fundació Gaspar

La Fundació Gaspar propone, a partir de febrero, talleres infantiles para iniciar a los más pequeños de la casa en el mundo del arte contemporáneo. 

Con el objetivo de iniciar a los más pequeños en el arte contemporáneo, la Fundació Gaspar propone cada domingo talleres infantiles que invitan a crear obras inspiradas en los artistas más reconocidos del momento de la mano de la artista Montse Pena. El primer taller, inspirado en la obra de la japonesa Yayoi Kusama, se llamará Fantasía, arte y una infinidad de lunares. Y es que la reconocida artista se ha ganado el apodo de "la princesa de los lunares", pero ¿de dónde le viene este apodo? ¿Cuál ha sido la experiencia que ha marcado la obra de esta artista? ¿Cómo podemos recrear esta experiencia? Dirigido a niños de entre 6 y 8 años de edad, el taller consistirá en realizar una pequeña escultura al estilo de Yayoi Kusama y la participación en una acción conjunta y acumulativa para crear un mural de infinidad de puntos en un muro, habilitado para la ocasión y que permanecerá expuesto durante el mes de febrero en la fundación.

El coste del taller, que se celebrará cada domingo de 12 a 13h, será de 15€ por participante y es importante reservar plaza, ya que el aforo es reducido (entre 4 y 8 participantes). Más información en la web de la Fundación Gaspar.

Publicado el 03 de febrero de 2017. 

Körperbilder, imágenes corporales

ÀMBIT Galeria d'Art presenta Körperbilder, imágenes corporales, una exposición en forma de instalación de la bailarina, artista y fotógrafa alemana Korina Kaisershot. 

La exposición Körperbilder, imágenes corporales presenta, en forma de instalación, una serie de diez fotogramas fruto de un estudio sobre el cuerpo, el movimiento y la luz realizado por la bailarina, artista y fotógrafa alemana Korina Kaisershot (Texas, 1973). Las obras expuestas han sido realizadas sin cámara, mediante una técnica que prevé la producción de imágenes fotográficas sin el uso de una cámara de fotos: los fotogramas son la imagen de un objeto en contacto con una superficie fotosensible expuesta a una fuerte luz directa. El objeto, en este caso el cuerpo humano en movimiento, bloquea la luz e imprime su forma en blanco sobre negro. La peculiaridad de esta técnica codifica inexorablemente la unicidad de las piezas, dada la ausencia de negativos físicos o digitales y la imposibilidad de reproducir el tiempo, el espacio, el gesto y la luz del instante en que se ha producido la imagen.

La artista empezó a profundizar en esta técnica inspirándose en el proyecto experimental Die Frau von Nebenan (Múnich, 2010), basado en la película La femme d'à côté de François Truffaut y vinculado al tema de la imagen ideal y ficticia de lo desconocido. Desde este punto de partida, Kaisershot quiso continuar explorando la idea de la proyección ideal de lo desconocido, y encontró en los fotogramas la clave de su experimentación personal sobre la curiosidad, la mirada exterior, lo visible y lo invisible y la ambigüedad. Los fotogramas expuestos representan el resultado de un experimento técnico y conceptual sobre la imagen ficticia, la ambigüedad de las formas, la presencia y la ausencia, el deseo, el voyeurismo, el humor y la paranoia en el espacio imaginario, misterioso y oscuro del laboratorio fotográfico, hoy reproducido en la galería.

Körperbilder
Del 02 febrero al 04 marzo
ÀMBIT Galeria d'Art
Consell de Cent, 282
Entrada gratuita

Publicado el 03 de febrero de 2017.

Hablemos de...

El MACBA inicia un nuevo programa que busca generar espacios de debate entre distintos agentes y artistas de la ciudad y el público.

El Museu d'Art Contemporani de Barcelona propone un recorrido por las obras expuestas que pretende poner al descubierto las relaciones entre arte, poder y visualidad. En las últimas décadas, con el desarrollo vertiginoso de las nuevas tecnologías, nuestras miradas, la construcción de nuestras vidas, recuerdos y relatos se han visto transformadas por el tráfico acelerado de imágenes, su intencionada combinación y su manipulación. De forma paralela, se ha generado un creciente interés por revisar nuestro pasado reciente. La construcción de las imágenes, especialmente las del campo de la representación y el arte, ha estado permanentemente en manos del poder. Pero las sociedades responden, cada tanto, activando la memoria que el poder quiere hacer desaparecer, siendo crucial su respuesta en el sostenimiento de las producciones artísticas.

Recorrer imágenes activa la memoria, tanto propia como colectiva; nos ayuda a pensar el presente, a decodificar las tramas de las experiencias pasadas para comprender y superar los hechos presentes, entendiendo el contexto y la subjetividad de quienes las han producido. Walter Benjamin afirma que la memoria, así como la escritura, son estructuras basadas en capas no necesariamente lineales. Las imágenes que articulan la memoria se estructuran en constelaciones donde se cruzan líneas temporales, y el límite entre la subjetividad propia y su sociedad se difumina.


HABLEMOS DE IMÁGENES, MEMORIA Y DECOLONIALIDAD

En esta serie de visitas a las exposiciones, el MACBA propone reactivar esa memoria colectiva, iniciar ese viaje infinito de la memoria individual de quien confronta las imágenes: el visitante, gatillando en el recorrido sus ideas, pensamientos y sentires, con un otro, el artista, que a través de su obra construye o deconstruye sus propias ideas, pensamientos y sentires. Del mismo modo, se busca problematizar las diferentes formas de "narración" de la memoria propuestas por las obras a transitar, así como la "imagen" de la otredad planteada desde dichos procesos artísticos, desde una perspectiva decolonial. A cargo de la investigadora Nancy Garín, las primeras visitas proponen un recorrido por la exposición Gelatina dura. Historias escamoteadas de los 80, comentando obras de Joaquim Jordi, María Ruido, Isaías Griñolo, Miguel Benlloch y Las Pekinesas, Rogelio López Cuenca o Alan Carrasco entre otras. A partir del 18 de marzo, la visita se centrará en algunas de las obras que forman parte de la presentación actual de la colección, Colección MACBA 31, como por ejemplo las de Carlos Garaicoa, Alice Creischer, León Ferrari o Pedro G. Romero.

Sábados 4 y 11 de febrero y 11 de marzo, a las 19h
Lugar: Salas de exposición

Sábados 18 y 25 de marzo y 1 de abril, a las 19h
Lugar: Salas de exposición


HABLEMOS DE LOS OCHENTA

En esta ocasión, compartiremos la visión de algunos de los artistas que participan en la exposición Gelatina dura. Historias escamoteadas de los 80. Los itinerarios no pretenden explicar de forma exhaustiva todas las obras expuestas, sino mostrar una selección que permita descubrir las particularidades y el contexto en el que fueron creadas y cómo son recibidas por cada grupo de visitantes. En total, se realizarán tres recorridos de la mano de tres artistas presentes en la exposición que permitirán una aproximación a la muestra desde perspectivas singulares.

Sábado 18 de febrero
Recorrido a cargo de María Ruido, artista, realizadora, investigadora y docente.
Lugar: Salas de exposición

Sábado 25 de febrero
Recorrido a cargo de Marcelo Expósito, artista y activista político
Lugar: Salas de exposición

Sábado 4 de marzo
Visita comentada con Tino Calabuig, artista visual y realizador
Lugar: Salas de exposición

Precio: 5€/sesión. 30 plazas disponibles. Inscripción previa.

Publicado el 02 de febrero de 2017. 

Los objetos de Tàpies

La Fundació Antoni Tàpies sigue profundizando en su propia colección con una nueva exposición dedicada al trabajo del artista con los objetos. 

A finales de la década de 1960, coincidiendo con un incremento de su compromiso político, Antoni Tàpies acentuó el trabajo con objetos. Este interés, sin embargo, no era nuevo, y es que Tàpies ya se había adentrado en el mundo de los objetos desde el inicio de las pinturas materias. En 1956 realizó para el escaparate de la tienda Gales del Paseo de Gracia de Barcelona la obra Puerta metálica y violín. Esta obra ponía en relación una vieja puerta de almacén, en apariencia estridente y fea, con un violín. Con esta intervención, que se enmarcaba en la creación de cinco escenarios navideños organizados por Alexandre Cirici, ponía en valor aquellos elementos socialmente condenados al desuso.

Los objetos de Tàpies eran extraídos de su entorno cotidiano y el artista los incorporaba a la superficie del cuadro o bien hacía ensamblajes. Eran objetos comunes, tales como prendas de ropa o de mobiliario. El trabajo con objetos coincidió con la eclosión del arte povera en Europa y del posminimalismo en Estados Unidos. De todos modos, en el caso de Tàpies, estos objetos siempre fueron tratados y reorganizados de tal manera que lo primero que se reconoce es, como ocurre en sus pinturas, la mano del artista.

Antoni Tàpies, colección. Objetos
Del 07 febrero al 28 septiembre
Fundació Antoni Tàpies
Aragó, 255
Entrada: 7€

Publicado el 02 de febrero de 2017.