La noche sexual de Oriol Vilapuig

La Fundació Suñol presenta La noche sexual, su primera gran exposición de la temporada centrada en el artista catalán Oriol Vilapuig. 

Bajo el título La noche sexual, tomado del libro homónimo de Pascal Quignard, el artista Oriol Vilapuig (Sabadell, 1964) articula las obras en siete ámbitos y un preámbulo. Dos ejes constituyen la exposición: por un lado lo que se puede definir como formas de resistencia y supervivencia que inciden sobre ciertos sentimientos de pérdida y miedo, y por otro los trabajos alrededor del erotismo entendido como una forma de desborde entre una voluptuosidad extrema, el pudor y el espanto, insistiendo también en su aspecto sagrado y ontológico. 

Las treinta obras, la mayoría de ellas polípticos, que conforman la exposición, abrazan más de seis años de trabajos recientes de Vilapuig, los que van desde 2010 a 2016. La mayoría son mostradas al público por primera vez. Este conjunto de obras incide en metodologías que aparecen a menudo en los últimos trabajos de este autor, como son la utilización de la forma de ensayo como actitud de estudio en constante construcción y la incidencia en la tradición y el arte como un espacio simbólico de uso que conforma nuestro inconsciente colectivo. Unos trabajos que generan presencias a través del lenguaje del dibujo, como experiencia vinculada al cuerpo, pero también como posibilidad para construir imaginarios. 

La noche sexual
Del 23 marzo al 02 septiembre
Fundació Suñol
Passeig de Gràcia, 98
Entradas: 4€

Publicado el 22 de marzo de 2017

Zoótropo

La Pedrera presenta una selección de proyectos de uno de los creadores más destacados del panorama artístico catalán contemporáneo. 

Su concepción abierta de la pintura ha llevado a Frederic Amat (Barcelona, 1952) a integrar en su trabajo múltiples lenguajes: la pintura, el dibujo, la escultura, la instalación, la performance, la ilustración de libros, el audiovisual, la escenografía teatral o las intervenciones en espacios arquitectónicos. La exposición Frederic Amat. Zoótropo, presenta una selección de proyectos de intervención en espacios, tanto naturales como urbanos, a menudo vinculados a la arquitectura, con el objetivo de crear un mapa, una topografía, del trabajo del artista, buscando siempre el componente poético. 

El título de la exposición se refiere a la máquina estroboscópica formada por un tambor giratorio, con unos cortes a través de los cuales el espectador puede ver una serie de dibujos que, al girar, dan la sensación de estar en movimiento. Así, como un zoótropo, pretende mostrar las diversas facetas de la obra de Amat en relación con el espacio, la arquitectura, la ciudad y el paisaje. Dividida en tres apartados casi independientes que tejen una única obra en tres actos, la muestra constituye una oportunidad excelente para comprender el exuberante y original imaginario vital y artístico de Frederic Amat: el primero propone recuperar la memoria del edificio de Gaudí con una intervención especialmente creada para la ocasión; el segundo reúne una selección personal del artista de obras que remiten a su universo más íntimo, y el último acoge una selección de catorce proyectos de intervención en espacios públicos y privados (algunos realizados, otros no), como un archivo de historia natural en el que conviven las referencias, los croquis del proceso creativo, los making of y algunas piezas del resultado final. 

Frederic Amat. Zoótropo
Del 21 marzo al 16 julio
La Pedrera
Passeig de Gràcia, 92
Entrada: 4€

Publicado el 20 de marzo de 2017

RRSS

Ana Riaño explora la relación entre artistas y redes sociales en RRSS, su nueva exposición individual en Víctor Lope Arte Contemporáneo. 

En el proyecto RRSS (Redes Sociales), la artista Ana Riaño (Bilbao, 1985) quiere investigar la confluencia de dos fenómenos diferentes. El primero de ellos, el de la construcción de la identidad en cuanto a artista. Con la emergencia de la posmodernidad y después de las transvanguardias, la identidad del artista, la obra, el mundo del arte, etcétera, han sido puestos entre unos paréntesis que todavía no se han abierto. De alguna manera, los artistas se convierten en artistas sin saber qué es realmente el proceso de devenir uno, sin conocer los caminos a recorrer, mientras que paralelamente se enseña la necesidad de proyectar una imagen más o menos determinada de uno mismo a los otros agentes del mundo del arte, bien sean galeristas, museos, prensa u otros artistas. En conversaciones con otros artistas, con galeristas, en residencias en centros de arte, hay siempre una conversación presente: cómo publicidades, cómo emerger, cómo hacer que sepan de ti y tu trabajo. Todo esto se relaciona con el segundo fenómeno, el de la nueva moda de las llamadas Redes Sociales. La pregunta es, ¿qué imagen proyectan los artistas, galeristas, directores de museos, críticos de arte, en la virtualidad de las redes sociales? ¿Y qué imagen podrían proyectar los artistas ya fallecidos y que no convivieron con las nuevas tecnologías?

RRSS
Del 16 marzo al 13 mayo
Víctor Lope Arte Contemporáneo
Aribau, 75
Entrada gratuita

Publicado el 20 de marzo de 2017

The dark, the mystic, the animate but soulless

La Blueproject Foundation presenta la primera exposición de los artistas residentes del 2017, Javier Arbizu y Karlos Martínez B. 

The dark, the mystic, the animate but soulless es un proyecto cuyo objetivo es explorar las potencialidades de los objetos en sus individualidades y en sus relaciones. Desde una perspectiva poética, el mundo material es entendido como un campo de posibilidades, un lugar para el asombro y el misterio, opuesto a la mera realidad. 

La idea de "macla", presente en la obra de Oteiza, es revisitada a través de una serie de objetos cuyos procesos de construcción han supuesto un ejercicio de negociación entre las características y dinámicas propias de los materiales y la intuición y los deseos de los artistas, ponderando siempre una cierta condición háptica. Las "maclas" en Oteiza se originan por la fusión de dos o más cuerpos, que se vuelven inseparables debido a la energía contenida en la relación de sus partes. Existen fenómenos similares en otros campos del conocimiento, como la astrología o la biología, que han sido históricamente considerados mágicos o aberrantes, no solo por estar fuera de lo normativo sino también por la carga energética que implican. 

A través de este proyecto, los artistas cuestionan si las partes de las maclas tienen alguna entidad como sujetos individuales, siendo la percepción humana la que las dota de unidad, como en el caso de los eclipses. O si por lo contrario las maclas se deben necesariamente a su otra mitad. En este contexto, los objetos son entendidos como actantes, que operan desde sus propias dinámicas físicas, temporales y psicológicas. Es decir, cuerpos vitales que se ven afectados por estímulos externos -entre otros, los artistas- que alteran sus posibilidades de interacción.

The dark, the mystic, the animate but soulless
Del 10 marzo al 30 abril
Blueproject Foundation
Princesa, 57
Entrada gratuita

Publicado el 18 de marzo de 2017

Las Musas de Irene Cruz

Tras su paso por Art Madrid'17 la fotógrafa y video-artista Irene Cruz presenta su último trabajo, The Muses, en la galería Fifty Dots. 
Irene Cruz, Pelargonium, 2016

Hace unos días, Irene Cruz (Madrid, 1987) presentaba en Fifty Dots su último proyecto, a través de una delicada performance de la mano de una de sus musas. Muy diferente a su anterior trabajo, Lieber Geist, una serie fotográfica con una carga temática mucho más emocional y conceptual, en The Muses nos encontramos con un lenguaje visual algo más lírico y poético cercano a anteriores etapas; vuelven sus característicos tonos azules, el agua y la naturaleza en estado puro y aparecen nuevos elementos que dominan la narración y dan nombre a la serie, las musas. 

Pero, ¿quiénes son estas musas y qué hay detrás de ellas? Como la propia artista explica, ellas son su fuente de inspiración, mujeres cercanas en su día a día, mujeres que le sugieren y evocan diferentes sensaciones. Se puede decir que es un trabajo mutuo, ellas escogen el color y las flores que quieren llevar y a partir de ahí las viste con collares de flores. Sus cuerpos se integran sin pensarlo en los escenarios naturales como si siempre hubiesen sido parte de éstos. La luz, los colores de la naturaleza, el movimiento pausado o la quietud de los cuerpos componen escenas con una serenidad casi melancólica

Viendo la performance con la que se presentaba la exposición podemos imaginar cómo ha sido el proceso de realización de este trabajo. La complicidad y conexión entre Irene Cruz y su musa performativa era absoluta, transmitía calma y serenidad y una gran delicadeza con la que, flor a flor, construían collares entre sonrisas y miradas abstraídas del resto de ojos y focos desconocidos. Y tal y como percibimos la producción de esta serie fotográfica, la elección de los lugares, de sus musas o de las flores, nos damos cuenta de la profunda pasión y respeto que la artista muestra ante la fotografía. 

The Muses
Del 09 marzo al 04 mayo
Fifty Dots Gallery
Milà i Fontanals, 59
Entrada gratuita

Valoración
Publicado el 15 de marzo de 2017 por Ana Salinas 

Insurrecciones

El Museu Nacional d'Art de Catalunya presenta una muestra interdisciplinaria sobre los orígenes y motivos de las insurrecciones.

Insurrecciones trata de los desórdenes sociales, la agitación política, la insumisión, las revueltas y las revoluciones de todo tipo, y muestra cómo los artistas han abordado este tema en diferentes momentos históricos. Desde los Desastres de la Guerra de Francisco de Goya a los vídeos de la cineasta Maria Kourkouta sobre la crisis de los refugiados en Europa, la exposición cartografía las fuerzan que impulsan a  hombres y mujeres a sublevarse una y otra vez. 

En su conjunto, la muestra reúne cerca de 300 trabajos de más de un centenar de autores que abordan las insurrecciones y su representación a través de diferentes medios y técnicas: pinturas, dibujos y grabados, fotografías, películas y documentos, y se fundamenta en un trabajo histórico y teórico que Georges Didi-Huberman, filósofo e historiador del arte y comisario de la muestra, realiza desde hace años. 

Insurrecciones
Del 24 febrero al 21 mayo
Museu Nacional d'Art de Catalunya
Avinguda dels Muntanyans, s/n
Entrada: 6€

Publicado el 13 de marzo de 2017

Tohoku

Valid Foto nos presenta las distintas caras de la región japonesa de Tohoku a través de los ojos de una selección de fotógrafos originarios de la zona. 
Ichiro Kojima, Around Inagaki, 1960

El 11 de marzo de 2011 un gran terremoto sacudió Japón, devastando la región de Tohoku, la zona nororiental de Honshu, la isla más grande del archipiélago japonés. Aún permanece vivo el recuerdo de las sobrecogedoras imágenes que fueron retransmitidas por los medios de comunicación de todo el mundo. Si embargo, esta exposición no busca documentar el daño o la recuperación de la zona, sino mostrar a través de la fotografía, el paisaje natural y cultural, la gente y la forma de vida en Tohoku.

La muestra se compone de la obra de nueve fotógrafos individuales y un colectivo fotográfico de diferentes generaciones y estilos, todos ellos procedentes de Tohoku. Fotografías tomadas en la década de los cuarenta se mezclan con imágenes actuales. De esta forma, a través de la mirada de los diferentes artistas, se ha logrado reunir imágenes representativas del pasado, del presente y del futuro, presentando una gran variedad de fascinantes aspectos de Tohoku al resto del mundo. Teisuke Chiba e Ichiro Kojima fotografiaron Tohoku en los años cincuenta y sesenta; Hideo Haga, Masatoshi Naito y Masaru Tatsuki han documentado festivales y ritos religiosos en toda la región; Hiroshi Oshima y Naoya Hatakeyama combinan sus historias personales con los paisajes de su región natal; Meiki Rin centra su trabajo en el hermoso entorno natural; Nao Tsuda buscó el origen del espíritu japonés en reliquias y utensilios del período Jômon y el grupo de fotógrafos dirigidos por Toru Ito ha creado la Sendai Collection, una serie de fotografías de escenas anónimas en Sendai, prefactura de Miyagi. Las fotografías recogidas en la muestra representan las diversas caras de Tohoku, ofreciendo al espectador la posibilidad de familiarizarse con esta región relativamente desconocida.

TOHOKU. Through the Eyes of Japanese Photographers
Del 01 al 31 marzo
Galería Valid Foto
Buenaventura Muñoz, 6
Entrada gratuita

Publicado el 06 de marzo de 2017

La Fira d'Art Modern i Antic se consolida en su tercera edición

NOTICIAS
La Fira d'Art Modern i Antic de Barcelona se consolida en su tercera edición con un incremento de ventas y más de 7.000 visitantes. 
Ramon Martí Alsina, Bodegón (detalle). Galería Fernando Pinós © Fotografía: Sandra Costa

La Fira d'Art Modern i Antic de Barcelona (FAMA) cierra su tercera edición con gran éxito tanto de ventas como de visitas. Y es que más de 7.000 personas han pasado por la Sala Marqués de Comillas durante los cinco días que ha durado la feria, organizada un año más por Vima Events en colaboración con el Gremi d'Antiquaris de Catalunya. En palabras de su directora, Macarena Masip: "Estamos muy satisfechos, hemos conseguido uno de los objetivos que nos pusimos al principio: acercar el arte a todos los públicos. No sólo por las actividades que realizamos durante la feria sino por la facilidad de los expositores en acercar el arte moderno y antiguo a los visitantes". 

En cuanto a las ventas, éstas se han incrementado en un 35% respecto a la edición anterior. Los principales protagonistas en esta ocasión han sido, además de la pintura, las joyas modernistas y los grabados. Entre las numerosas ventas que se han producido este año, podemos destacar la adquisición de una pulsera modernista de los años treinta valorada en 20.000€ de Joyas Antiguas Sardinero, varios grabados de la galería alemana Kotobuki o un papel de Jaume Plensa del año 2000 de cerca de 12.000€. Además, la Generalitat de Catalunya ha adquirido una antorcha de las Olimpiadas del 92, que se expondrá en el Museu d'Història de Catalunya, y una tabla gótica del siglo XVI del pintor tarraconense Ramon de Mur, presentada en el stand de Palau Antiguitats. La pieza, que representa a San Antonio Abad, se considera Bien de Interés Cultural y ha sido adquirida por 45.000€. 

Publicado el 06 de marzo de 2017

Exodus

EXPOSICIONES
La galería 3 Punts presenta Exodus de José Benítez, uno de los artistas actuales más atractivos y sugerentes del panorama pictórico nacional. 
José Benítez, Pabellón de rezos, 2016

El trabajo de José Benítez (Málaga, 1963) nos introduce en su fascinante mundo utópico repleto de paisajes sublimes, ruinas y aquelarres por los que pululan desorientados seres antropomórficos en un éxodo constante, productores de esfuerzos inútiles en medio del caos existencial. Y es que su pintura es así, una verdadera metáfora del hombre en un devenir sin retorno, deshumanizado, animalizado, llevado por la desesperación en una huida hacia delante, volviendo la vista hacia el pasado de la catástrofe única, acumulando sin cesar ruina tras ruina.  

Su plástica, situada fuera del tiempo y del espacio, nos atrapa y se apodera de nuestra mirada de una manera casi hipnótica para que la proyectemos hacia nuestro interior, dejando de ser simples espectadores pasivos. José Benítez disuelve la realidad inconsciente creada por la memoria y consolida la forma con una técnica depuradísima que da como resultado una obra con una calidad plástica extraordinaria. En esta muestra, el artista nos descubre su gran admiración por los grandes pintores de la historia. El especial cuidado en el dibujo junto a un exquisito dominio de la luz y de las sombras nos remiten a la pintura flamenca de Brueghel y de Hieronymus Bosch con sus seres fantásticos. Con un poco de atención, se pueden percibir en el universo interior de Benítez estructuras oníricas deudoras de sus maestros; referentes románticos de brumosos paisajes de Turner, ruinas de Piranesi y relatos de Lovecraft que el pintor sitúa en la parte terrenal del plano en clara oposición a la línea del horizonte. La exposición recorre los universos utópicos del artista transferidos a la pintura por medio de un lenguaje personal en constante evolución. 

Exodus
Del 02 marzo al 08 abril
3 Punts Galeria
Enric Granados, 21
Entrada gratuita

Publicado el 03 de marzo de 2017

Los retratos de Picasso

El Museu Picasso pone de manifiesto la importancia del retrato en la obra del artista malagueño con una selección de más de ochenta obras. 
Pablo Picasso, Retrato de Olga Picasso, 1923

A partir de 80 obras de colecciones públicas y particulares que revelan los soportes y el abanico de estilos que conreó Picasso para representar este género, que siempre ocupó un lugar importante en su arte, la exposición explora los parámetros establecidos del retrato que el artista redefine a lo largo de su vida y el lugar que ocupa la caricatura en su producción. 

A diferencia del caricaturista profesional, que acostumbra a tener como objetivo personajes públicos, los sujetos de Picasso eran casi siempre sus amigos y personas del entorno familiar. De esta  manera encontramos representaciones de Dora Maar, Guillaume Apollinaire, Jean Cocteau, Nusch Éluard, Françoise Gilot, Max Jacob, Lee Miller, Fernande Olivier, Jacqueline Roque, Olga Khokhlova, Jaume Sabartés, Erik Satie, Igor Stravinsky, Miguel Utrillo y Marie-Thérèse Walter, entre otros. Prácticamente ninguno de sus retratos provenía directamente de un encargo, por lo que Picasso se sentía libre de representar e interpretar a sus sujetos. 

Picasso. Retratos
Del 17 marzo al 25 junio
Museu Picasso
Montcada, 15-23

Publicado el 02 de marzo de 2017