World Press Photo 2017

World Press Photo 17 convierte la ciudad de Barcelona en una de las primeras del mundo en mostrar las mejores imágenes del fotoperiodismo. 

La Fundación Photographic Social Vision presenta World Press Photo 17, la exposición más importante del ámbito del fotoperiodismo a nivel mundial y una de las que concentra más público en la ciudad: el año pasado llegó a la cifra de 56.434 visitantes en cuatro semanas. 

La crisis migratoria sigue estando presente en esta edición, así como los conflictos políticos, la movilidad humana y la influencia de la tecnología en la conectividad o tráfico de información, así como el impacto del ser humano en el medio ambiente. Estos son algunos de los temas que pueden verse, tal como destaca Silvia Omedes, directora de Photographic Social Vision: "A través de proyectos como World Press Photo hacemos especial hincapié en ampliar la exposición con actividades paralelas y realizar visitas guiadas, para facilitar la comprensión de las imágenes en toda su profundidad y las historias que hay detrás. De esta manera, los visitantes amplían, a través del fotoperiodismo, su conocimiento y conciencia del mundo y la actualidad".

Inauguración viernes 28 de abril a las 19h

World Press Photo 17
Del 29 abril al 05 junio
CCCB
Montalegre, 5
Entrada: 6€

Publicado el 24 de abril de 2017

Forensic Architecture

El Museu d'Art Contemporani de Barcelona explora los orígenes y los logros del grupo de investigadores conocido como Forensic Architecture. 


Recientemente, un pequeño grupo de investigadores llamado Forensic Architecture empezó a utilizar nuevos métodos en una serie de trabajos de investigación sobre las vulneraciones de los derechos humanos. Además de aportar pruebas evidentes para los tribunales internacionales colaborando con numerosos grupos activistas, oenegés, Amnistía Internacional y Naciones Unidas, Forensic Architecture no solo ha llamado la atención con nuevos datos sobre las violaciones de los derechos humanos y los crímenes de Estado en todo el planeta, sino que también ha dado lugar a una nueva modalidad de práctica investigativa que lleva su nombre: arquitectura forense. El grupo utiliza la arquitectura como herramienta metodológica para investigar conflictos armados y la destrucción medioambiental, y para complementar y cotejar con otras múltiples fuentes probatorias como son los medios digitales y redes sociales, los sensores remotos, las investigaciones materiales y los testimonios presenciales. 

Esta exposición presenta esta práctica, subrayando sus orígenes, su historia, sus logros, su potencial y sus dificultades y limitaciones. Con estas investigaciones y los textos críticos que las acompañan, Forensic Architecture examina cómo se produce -tecnológica, arquitectónica y estéticamente- la verdad pública, cómo puede utilizarse para confrontar la propaganda y los secretos de Estado, y cómo denunciar nuevas formas de violencia de Estado.

Inauguración jueves 27 de abril a las 19:30h

Forensic Architecture
Del 28 abril al 15 octubre
MACBA
Plaça dels Àngels, 1
Entrada: 10€ (válida un mes)

Publicado el 24 de abril de 2017

The missing link

Àngels Barcelona presenta The missing link, el último proyecto de la artista Mabel Palacín y su segunda exposición individual en la galería. 

Mabel Palacín (Barcelona, 1965) prosigue en The missing link su investigación alrededor de la relación que mantenemos con las imágenes, su funcionamiento y la mediación que éstas suponen para la realidad en la que habitamos; o lo que también se conoce como "la cinematización de la sociedad en lo cotidiano". Para ello, Palacín ha inundado las dos salas de la galería con una multiplicidad de videos del canal YouTube a través de los cuales el espectador se convierte en testimonio de un friso de 28 vídeos que sirven de ejemplo ilustrativo del gran cambio producido con la digitalización de la imagen y su circulación en las redes, la manera en la que su democratización ha convertido a todos y cada uno de nosotros en "actores para otros actores", abandonando definitivamente la condición de espectador pasivo. 

Con la utilización de los vídeos del conocido sitio web, la artista nos invita a reflexionar sobre el status actual de la imagen, su estado omnipresente en nuestras "múltiples y portables" pantallas y en la capacidad que éstas tienen para ser testigos de las más variadas intimidades, cotidianidades y puntos de vista personales. Con este proyecto se hace hincapié en la cinematización de lo cotidiano en la sociedad contemporánea, o lo que equivale a pensar la realidad de manera cinematográfica. Si la función fundamental de las imágenes es la de comunicar, con este proyecto, en el que el "cine de bolsillo" se convierte en el principal protagonista, nos damos cuenta que la prioridad en la sociedad contemporánea de la imagen DIY (Do It Yourself) es precisamente la de organizar la multiplicidad de éstas y, a la vez, definir un nuevo contexto en el que a través de la experimentación se puedan utilizar nuevas maneras de crear historias, de activar otros procesos narrativos. 

The missing link
Del 04 abril al 09 junio
àngels barcelona
Pintor Fortuny, 27
Entrada gratuita

Publicado el 24 de abril de 2017

La costa asturiana de Hugo Fontela

Hugo Fontela, el artista más joven de la Galería Marlborough, expone sus obras por primera vez en la sede de Barcelona. 

En Norte, el artista Hugo Fontela (Grado, 1986) explora la memoria del paisaje costero de su Asturias natal siguiendo la línea de minimalismo estético de su última exposición, al mismo tiempo que evoluciona en sus temáticas. Si en sus anteriores creaciones fueron protagonistas los postes flotantes sobre el agua inspirados por los muelles abandonados del East River de Nueva York o los mares de residuos que dan lugar a sus impactantes vertederos, en sus recientes lienzos son las rocas marinas de las tierras del norte las protagonistas indiscutibles. Las rocas solitarias asoman, enigmáticas, sobre mares de azules intensos expresados en distintos estados de actividad: mar llana, rizada o marejada. 

Como indica Enrique Juncosa en el texto introductorio del catálogo, el artista no busca la representación fidedigna de la realidad, sino su vivencia: "Fontela convierte el paisaje que recuerda, o la memoria de la emoción que este paisaje le produjo, en el acto mismo de pintar. Las rocas o islotes son distintos, de lo que se desprende que no le interesa la representación en sí de una vista determinada, ni tampoco persigue una visión épica de lo sublime". Así, la obra del joven artista podría considerarse neo-tradicionalista, ya que demuestra haber conocido los movimientos de la action painting y del pop, así como el informalismo y el minimal. De ese modo, sus pinturas parten de lo figurativo para viajar hacia lo abstracto, es decir, deconstruye una imagen que parte de lo real hacia lo pictórico y son las relaciones entre las formas, las figuras, los volúmenes y los colores los que constituyen el medio de expresión que provoca la sensación pictórica más que el propio objeto representado.

Norte
Del 20 abril al 20 mayo
Galería Marlborough
Enric Granados, 68
Entrada gratuita

Publicado el 24 de abril de 2017

David Bowie Is

El Museu del Disseny acoge la esperada exposición David Bowie Is, producida por el Victoria and Albert Museum de Londres. 

La muestra, una producción del Victoria and Albert Museum de Londres, ha recibido ya más de un millón y medio de visitantes en las ocho ciudades que la han acogido hasta ahora, como la capital inglesa, Berlín, París o Chicago, lo que la convierte en la muestra más visitada en los 164 años de historia del museo británico. El Museu del Disseny de Barcelona será el único museo en España que acogerá en exclusiva David Bowie Is. Y es que la dimensión pluridisciplinaria y siempre innovadora del trabajo de Bowie, coincide plenamente con la apuesta del museo por mostrar y explorar las conexiones entre el arte y el diseño, especialmente en el terreno del diseño gráfico y de la moda. 

La exposición reúne más de 300 objetos, que incluyen fotografía, carátulas de discos, letras manuscritas, vestuario original, diseños de escenarios y material inédito de los conciertos del artista durante las pasadas cinco décadas, facilitado por el David Bowie Archive. David Bowie Is constituye una mirada profunda a la forma en que la música y el individualismo radical de David Bowie han inspirado a otros para desafiar las convenciones y buscar la libertad de expresión. La muestra se centra en la diversidad de la obra de David Bowie, la variedad de sus fuentes de inspiración y la estrecha interrelación entre multitud de disciplinas y formas de expresión. Su música e individualismo radical no solo recibieron la influencia de movimientos artísticos, el mundo de la moda, el diseño y la cultura contemporánea, sino que Bowie también dejó su impronta en ellos. 

David Bowie Is revisa al detalle la trayectoria de este creador excepcional: desde los primeros años de David Robert Jones como joven artista londinense hasta convertirse en David Bowie, la superestrella de fama planetaria. En la exposición pueden verse más de 60 atuendos usados por Bowie en los conciertos, así como fotografías de Brian Duffy, Terry O'Neill y Masayoshi Sukita, ilustraciones para las fundas de los vinilos de Guy Peellaert y Edward Bell, pruebas de carátulas para el disco del artista The Next Day (2013), diseñadas por Barnbrook, fragmentos de películas y actuaciones en directo, vídeos musicales y diseños de escenarios para la gira Diamond Dogs (1974). Junto a ello convive la mayor cantidad de objetos personales del artista que jamás se haya expuesto: storyboards, repertorios y letras manuscritas, así como bocetos, partituras y textos de Bowie que son prueba de la evolución de sus ideas creativas. 

David Bowie Is
A partir del 25 de mayo
Museu del Disseny
Pl. de les Glòries Catalanes, 37-38
Entrada: 17,90€ / 14,90€

Publicado el 15 de abril de 2017

Hablemos de: El rol del documento

El programa Parlem de... del Museu d'Art Contemporani de Barcelona entiende las exposiciones como poderosos dispositivos activadores de la imaginación y generadores de discursos que a menudo exceden aquellos previstos por la institución o preconcebidos por el equipo curatorial. 

A cargo de Julia Ramírez Blanco, historiadora y crítica de arte especializada en las intersecciones entre arte, política y utopía, el recorrido Hablemos de... El rol del documento: movilizando archivos, invita a reflexionar acerca de la imagen entendida como documento en un sentido amplio. ¿Qué significan los diferentes tipos de imágenes documentales? ¿Para qué sirven? ¿Cómo pueden ser movilizadas? Partiendo de las exposiciones Akram Zaatari. Contra la fotografía. Historia anotada de la Arab Image Foundation y Forensic Architecture. Hacia una estética investigativa, veremos diferentes modos de activar los documentos visuales: ya sea a través del juego con los materiales de un archivo fotográfico, en el caso de Zaatari, o mediante el empleo de imágenes encontradas en internet al servicio de la investigación en código abierto por parte del grupo Forensic Architecture. 

Como artista, Akram Zaatari trabaja con el enorme repositorio de la Arab Image Foundation, archivo que cofundó, donde se recogen más de 600.000 instantáneas procedentes de Líbano, Siria, Palestina, Jordania, Egipto, Marruecos, Irak, Irán, México, Argentina y Senegal. Entretejiendo lo macro y lo micro, estos documentos narran de manera parcial, subjetiva y molecular los procesos diarios y los cambios políticos desde finales del siglo XIX hasta la actualidad. Con estos documentos, Zaatari traza historias inesperadas y desvela las poéticas de lo que queda oculto

Pero si el archivo puede usarse para contar una historia, también puede movilizarse como prueba. El colectivo Forensic Architecture trabaja con el repositorio de internet, a partir de material audiovisual colgado por testigos presenciales en contextos de guerra y otras situaciones extremas. El grupo de investigación recoge estas imágenes cuadrándolas con herramientas como la geolocalización o el cálculo de la altura de una nube de humo causada por una explosión, para así poder determinar los detalles de crímenes negados por sus perpetradores. Así, el estudio de la imagen va más allá de sí mismo, y logra aportar pruebas que pueden utilizarse en tribunales internacionales. En cierto modo, las herramientas de la iconografía se amplían y desbordan incidiendo en nuestro escenario de conflicto perpetuo. 

Ambas aproximaciones tienen una relación diferente con archivos muy distintos, pero las dos nos plantean el rol de la imagen como un testigo de la historia, que puede referirnos lo que ha sucedido. Entre las nostalgias ajenas y las políticas del presente, entre la reflexión histórica y la intervención, nos permiten pensar en el sentido del documento y del archivo visual. Para nosotros, que venimos de una tradición tan logocéntrica como ha sido la occidental, resulta pertinente ver cómo la imagen reivindica su rol como un lugar de conocimiento dispuesto a ser activado. 

Sábados 22 y 29 de abril, 20 de mayo y 3 de junio a las 19h
Lugar: Salas de exposición
Precio: 5€/sesión

Publicado el 14 de abril de 2017

Peter Hujar en ocho claves

Ocho claves para entender A la velocidad de la vida, la exposición sobre Peter Hujar que se puede ver en Fundación Mapfre hasta el 30 de abril.
Peter Hujar, Mural at Piers, 1983

1. Lenguaje propio
Peter Hujar (Trenton, 1934 - Nueva York, 1987) se inició en la profesión en Manhattan como fotógrafo de moda y publicidad, trabajando para distintas revistas durante más de quince años. Motivado por sus viajes a Italia y por su entorno personal y profesional -Richard Avedon, Joseph Raphael o Irving Penn-, abandonó la carrera comercial estableciéndose por su cuenta. A partir de ahí cambia el enfoque hacia un lenguaje mucho más personal: retratos de animales de granja, paisajes, hombres desnudos, penes erectos, así como un sinfín de imágenes desde las catacumbas de Palermo donde viajó en varias ocasiones. Personajes de las letras y las artes también forman parte del legado artístico de Hujar. Imágenes en blanco y negro que sostienen vida, melancolía o desolación, la soledad, lo perturbador, imágenes que muestran un universo oscuro. 

2. Un legado de libertad
Hujar supo captar la efervescencia vital que invadía cada rincón del Nueva York de los años setenta. Coincidió con Andy Warhol, Susan Sontag escribió sobre él y William Burroughs formaba parte de su círculo. En vida, publicó un único libro de retratos, Portraits of life and death, donde desfila un amplio repertorio de caras conocidas, actores, pintores o escritores que gozaban de fama y reconocimiento, mientras su nombre pasada inadvertido para marchantes y galeristas. Tal fue la libertad creativa que se concedió a sí mismo, que en más de una ocasión se debatió entre buscar la popularidad y el reconocimiento artístico o continuar con su silenciosa carrera, plena de libertad creativa pero en absoluta pobreza. 

3. El papel que jugó en la época.
Bajo el objetivo de la cámara, Peter Hujar fue uno de los principales testigos dentro del Movimiento de Liberación Gay que se empezaba a gestar en los años 70 en Estados Unidos, con hechos determinantes como las primeras reuniones del grupo. Si bien su papel no fue desde el activismo, su lucha y contribución la hizo a través de la fotografía. Son así pues recurrentes en su obra los retratos relacionados con la homosexualidad y el travestismo, así como una importante parte de su círculo social.

4. Imágenes que permanecen en el imborrable de la mente
Algunas de las imágenes que se pueden ver en la exposición son fotografías icónicas que se clavan en nuestra memoria: Candy Darling en su lecho de muerte es uno de esos ejemplos. Candy Darling, actriz transgénero norteamericana, célebre estrella de la Factoría de Andy Warhol y que estuvo en boca de The Velvet Underground, murió a los 29 años a causa de un linfoma. Hujar realizó el retrato más glamuroso jamás visto de alguien momentos antes de la muerte. Una fotografía con suficiente personalidad y fuerza para sintetizar toda su trayectoria.

Peter Hujar, Candy Darling en su lecho de muerte, 1974

5. La visita
El planteamiento museográfico de la exposición muestra una visión lejana a lecturas cronológicas pero que respeta al máximo el criterio del artista. En sala, nos introducimos de lleno en el universo personal de Hujar bajo cuatro décadas de vivencias creativas y vitales contadas por agrupaciones en conjuntos temáticos, que a veces desconciertan y otras sorprenden al espectador. Yuxtaposiciones fotográficas acordes con un mismo pensamiento o imágenes totalmente contrapuestas bajo el punto de vista del que mira, pero que cobran sentido en el subconsciente hujariano

6. 30 años sin Peter Hujar
Para Hujar, como para muchos otros, el reconocimiento artístico a su profesión, a sus aportaciones hechas al mundo de la fotografía, a la documentación tan excepcional que tenemos sobre la vida artística, cultural y underground neoyorquina de los setenta, no llegó hasta después de su muerte. A partir de ahí, su obra ha sido gestionada por la Galería Pace/MacGill de Nueva York y forma parte de numerosas colecciones de museos en todo el mundo: Whitney Museum, Metropolitan Museum of Modern Art, Glasgow Gallery of Modern Art o el Stedelijk Museum de Àmsterdam. El próximo 26 de noviembre se cumplen treinta años desde la desaparición del fotógrafo en el Día de Acción de Gracias, fecha a partir de la cual se volvió a mirar su obra. 

7. Una retrospectiva única
Hasta el 30 de abril es posible visitar Peter Hujar. A la velocidad de la vida en la Fundación Mapfre, una ocasión única para ver una retrospectiva inédita en la ciudad. Tras Barcelona viajará a Nueva York, a la The Morgan Library & Museum, institución co-organizadora, que la acogerá entre el 26 de enero y el 20 de mayo de 2018. Aún así, si alguien pierde la oportunidad o quiere revivirla, Fundación Mapfre ofrece una visita virtual a la exposición

8. Una aclaración
Tal vez quien se acerque hasta la Fundación Mapfre para ver lo bonito y lo banal de la vida del downtown neoyorquino, bañado por el toque melancólico del blanco y negro, ha de estar advertido, porque esta exposición es el reflejo de Peter Hujar y como tal, de una vida cruda y sin tapujos, y sus fotografías no disimulan la realidad, la vida o la muerte; Hujar en estado puro

Publicado el 14 de abril de 2017 por Ana Salinas

Entre el fotograma y la página

Arts Santa Mònica presenta una exposición colectiva que explora la relación entre publicaciones de artista y obras audiovisuales. 
John Baldessari, I Will Not Make Any More Boring Art, 2000


La exposición Legible - Visible. Entre el fotograma y la página se propone explorar las relaciones de continuidad, complementariedad o dialéctica que se establecen entre publicaciones de artista y obras audiovisuales, dos medios que han vivido momentos de intenso desarrollo en el contexto de la creación a lo largo del último siglo. 

Con más de una veintena de obras de carácter doble -publicación y película-, la muestra ilustra el interés de los creadores por entrelazar y relacionar la página impresa y el documento audiovisual, superponiéndolos hasta casi fundirlos en una única superficie para la creación. ¿Qué sucede cuando un artista "traduce" cierto contenido de un medio impreso a un medio audiovisual o viceversa? ¿Qué cambia, qué se altera, qué permanece cuando tiene lugar esta transposición de formatos? ¿De qué forma se complementan o contraponen? Esta exposición invita a reflexionar sobre cuestiones como la secuencialidad, la narración, lo cinemática, el paso del tiempo, el montaje, la representación del movimiento y, en suma, la relación entre publicaciones y documentos audiovisuales, dos de los soportes más relevantes sobre los que se erige el paisaje cultural y social de nuestra época. 

Legible-Visible. Entre el fotograma y la página
Del 06 abril al 28 mayo
Arts Santa Mònica
La Rambla, 7
Entrada gratuita

Publicado el 12 de abril de 2017

Otros artistas en la donación Picasso

El Museu Picasso presenta una selección de obras de otros artistas procedentes de la colección particular del propio Pablo Picasso.

En febrero de 1970, Picasso donó a la ciudad de Barcelona, en memoria de su amigo Jaume Sabartés, todas las obras que había dejado en el domicilio familiar al irse de París y que su madre María, su hermana Lola y sus sobrinos Vilató Ruiz habían custodiado sucesivamente en sus residencias. La totalidad de la donación consistía en 236 pinturas al óleo, 1.149 dibujos, 17 álbumes con dibujos, dos grabados, cuatro libros de textos con dibujos marginales y 47 obras de otros artistas.

El exiguo conjunto de obras de otros artistas es poco homogéneo y está formado principalmente por obras de pintores desconocidos y de compañeros y alumnos del padre del artista, como Rafael Blanco Merino y Leandro Oroz Lacalle, además de algunas obras de amigos y colegas de Picasso, principalmente del período de estudios en la Llotja y de Quatre Gats, entre los que destacan Carles Casagemas, Santiago Rusiñol, Manuel Pallarés, Manolo Hugué y Julio González. Ahora, el Museu Picasso presenta las pinturas y dibujos de estos artistas, comparándolas en algunos casos con la obra del propio Picasso. La muestra se organiza en tres espacios: el primero está circunscrito al ámbito familiar y académico; en el segundo encontramos las obras de artistas del entorno de Quatre Gats, y en el tercero, las obras de aquellos artistas con quienes la relación trascendió en el ámbito de Barcelona. 

Otros artistas en la donación Picasso
Del 06 abril al 03 septiembre
Museu Picasso
Montcada, 15-23
Entrada: 4,50€

Publicado el 11 de abril de 2017

Jardines de España

El Museu del Modernisme da a conocer uno de los aspectos más singulares y queridos de Santiago Rusiñol: los jardines.  

Comisariada por la experta Mercedes Palau-Ribes y con el asesoramiento de Francesc Fontbona y Josep de C. Laplana, la exposición se centra en mostrar la otra vertiente de la pintura de Santiago Rusiñol, la visión de los jardines que el pintor recogió a lo largo de su vida y que resultan sus creaciones más estimadas. A partir de cuatro bloques temáticos -el álbum Jardines de España, la luz, el agua y la arquitectura de jardines-, el discurso se centra en la comparativa artística y paisajística entre los diferentes jardines de poblaciones diversas de la península, que el artista pintó a lo largo de su vida. 

Todos estos jardines ofrecen, además, un recorrido por el carácter viajero de Rusiñol: las diferentes tierras que visitó, los colores que le enamoraron, los perfiles y las naturalezas escogidas por sus composiciones y el simbolismo de los elementos que aparecen como una constante en sus cuadros. Se establece, por tanto, una relación estética y técnica entre territorios tan heterogéneos como Granada, Aranjuez, Mallorca, Valencia o Barcelona. La luz cegadora del Mediterráneo, la decadencia de palacios viejos de un pasado glorioso, las tonalidades del otoño castellano o la fantasía de la naturaleza isleña. 

Jardines de España
Del 23 marzo al 09 julio
Museu del Modernisme
Balmes, 48
Entrada: 10€

Publicado el 11 de abril de 2017