Victòria Combalia deposita 15 obras en el MACBA

Victòria Combalia ha depositado en el Museu d'Art Contemporani de Barcelona quince obras de su colección particular.
Manuel Álvarez Bravo, Ouvrier gréviste, assassiné, 1934

La crítica de arte catalana, Victòria Combalia (Barcelona, 1952) ha depositado temporalmente en el Museu d'Art Contemporani de Barcelona un total de quince obras de arte entre esculturas, pinturas, fotografías, objetos, collages, serigrafías y obras sobre papel de ocho artistas: Eduardo Arroyo, Esther Ferrer, Rogelio López Cuenca, Jordi Pablo, Carlos Pazos, Albert Ràfols-Casamada y Manuel Álvarez Bravo. Según Ferran Barenblit, director del museo, "las obras que se incluyen en este depósito ayudan a entender mucho mejor las décadas fundamentales de la historia del arte reciente". 

Entre estas obras, que se expondrán en el museo en el marco de las exposiciones de la Colección MACBA así como en otras exposiciones si éstas son solicitadas en préstamo, destacan piezas como la serie Carmen Amaya (1989) de Eduardo Arroyo, la litografía Questions aux Français (1998) de Esther Ferrer o Ouvrier gréviste, assassiné (1934), una fotografía a las sales de plata de Manuel Álvarez Bravo. 

"Toda la vida he vivido en torno al arte, ya sea por motivos profesionales o por amistad con los artistas. Creo que ha llegado el momento de compartir algunas piezas de mi colección con un público más amplio y ayudar al MACBA a completar su colección incorporando algunas piezas significativas dentro del arte del siglo XX", afirma Combalia, quien ha expresado además su voluntad de ceder definitivamente estas y otras obras al museo en el futuro. 

Publicado el 01 de agosto de 2017

Synthesis

David Mutiloa repasa en La Capella las transformaciones ocurridas en las últimas décadas dentro de las dinámicas del trabajo productivo. 

El artista David Mutiloa (Pamplona, 1979) repasa las transformaciones ocurridas en las últimas décadas dentro de las dinámicas del trabajo productivo: la digitalización de los procesos, la fractalización de los tiempos y los espacios, la absorción de facultades cognitivas y afectivas, etc. Durante gran parte del siglo XX, el trabajador luchó por alcanzar una condición social que le permitiese escapar de la alienación ocasionada por el trabajo, pero esta aspiración a la autorrealización acabó integrándose perfectamente dentro de la cadena productiva, lo que ha generado un estado de depresión constante y generalizado. 

Synthesis analiza detenidamente estas ideas mediante dos proyecciones de vídeo, acciones en vivo a cargo de trabajadores-actores humanos y la presentación de una serie de estatuas de acero, silicona, resina, componentes informáticos, fármacos y otros materiales. 

Synthesis
Del 19 julio al 25 septiembre
La Capella
Hospital, 56
Entrada gratuita

Publicado el 23 de julio de 2017

El mundo de Giorgio de Chirico

CaixaForum presenta una amplia retrospectiva de uno de los nombres esenciales de la historia del arte del siglo pasado: Giorgio de Chirico. 

La repercusión de Giorgio de Chirico (Volos, 1888 - Roma, 1978) va más allá del mundo del arte. Sus paisajes solitarios y sus naturalezas muertas metafísicas se han convertido en referentes visuales de nuestro tiempo. Con su preocupación por el subconsciente, fue uno de los precursores del surrealismo y, posteriormente, fue uno de los puntales del retorno al clasicismo de los años veinte del siglo XX. 

Diez años después de la última exposición de su obra que pudo verse en España, llega a CaixaForum Barcelona El mundo de Giorgio de Chirico. Sueño o realidad, organizada por la Obra Social 'la Caixa' en colaboración con la Fondazione Giorgio e Isa de Chirico. La muestra descubre a una nueva generación el que posiblemente sea el artista italiano más destacado del siglo pasado, a partir de 142 obras entre óleos, dibujos, litografías y esculturas, datadas entre 1913 y 1976, que repasan todas sus fases creativas desde las plazas italianas y maniquíes que le dieron el reconocimiento inicial a su retorno posterior al mundo clásico y su etapa neometafísica de madurez. 

El mundo de Giorgio de Chirico. Sueño o realidad
Del 19 julio al 22 octubre
CaixaForum Barcelona
Av. Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8
Entrada: 4€

Publicado el 19 de julio de 2017

Bei mir geht es in den Keller hoch

La Blueproject Foundation presenta Bei mir geht es in den Keller hoch, la primera exposición individual de David Ostrowski en nuestro país. 

Bei mir geht es in den Keller hoch es la primera exposición personal del artista alemán David Ostrowski en España, en la que se nos permite descubrir el trabajo pictórico del artista, presentando una selección de cuadros así como una gran instalación que ocupa el centro de la Sala Project

Nacido en Alemania en 1981, Ostrowski ha creado "una obra pictórica que se aproxima fuertemente a la idea de este tipo de punto cero, al mismo tiempo que nos recuerda la imposibilidad de llegar realmente allí", como explica Daniel Schreiber en referencia al grado cero del teórico francés Roland Barthes. "Según Barthes, cada obra de arte siempre transmite también las ilusiones de la cultura en la que fue creada y de la lengua que emplea. La malla de los mitos cotidianos es ineluctable, la marañana de códigos impenetrables. Y sin embargo, el deseo de un punto cero es vital. Sin este deseo, el arte sería inconcebible", explica Schreiber. Y sigue: "Las obras de Ostrowski surgen de una eliminación forzada del conocimiento de la pintura y una ambición expresa de entender esta idea del vacío como un enfrentamiento con la historia de la pintura. Con sus confusas y complejas circunlocuciones alrededor del no-motivo, Ostrowski logra abrir el espacio del lienzo a las irrupciones singulares de la percepción, a una esperada liberación del ver". 

Bei mir geht es in den Keller hoch
Del 14 julio al 01 octubre
Blueproject Foundation
Princesa, 57
Entrada gratuita

Publicado el 10 de julio de 2017

Mis muertos

N2 Galería presenta una exposición en la que el artista conocido como Uriginal distorsionan y reimaginan imágenes icónicas. 

El trabajo de Uri Martínez, más conocido en el mundo artístico como Uriginal, distorsiona y reimagina temas icónicos, obras maestras clásicas y tesoros perdidos, cuestionando los preconceptos en torno al buen gusto y a la belleza en el mundo contemporáneo. En Mis muertos. Dead Relations, hace referencia a la necesidad de conocer nuestro pasado para poder continuar construyendo nuestro futuro. 

Con esta muestra, el artista reivindica la conexión con obras que constituyen para él una visión del mundo que nos pertenece a todos y que forman parte de la historia de la humanidad. Para él, la emoción y el vínculo personal es fundamental a la hora de escoger los motivos de sus obras, por lo que el resultado de Mis muertos no es más que una genealogía personal. Dead Relations se relaciona también con un acontecimiento biográfico que ha cambiado la manera de Uriginal de ver el mundo; en 2016, a raíz de una aparatosa caída, se le destapó una enfermedad especialmente grave para alguien que dedica su vida a pintar en los muros de la calle: vértigo periférico. Esta condición se manifiesta de manera imprevisible y provoca una pérdida súbita del equilibrio. Además del peligro de la caída inesperada, impide que sus ojos puedan enfocar correctamente. La experiencia del error visual le ha llevado a explorar en este campo, de ahí que veamos un abandono gradual del mosaico, tan distintivo en su trayectoria, hacia la experimentación con el glitch, término que en informática se refiere a las imágenes erróneas que se forman como consecuencia de ficheros mal codificados o dañados. 

Uriginal utiliza el arte para indagar en aquello que mantiene a la humanidad unida y aquello que obliga a las personas a separarse. En su estilo combina elementos de abstracción, pop art y postsurrealismo con una serie de técnicas aprendidas en las calles, que colisionan en diferentes superficies para explorar los límites estéticos. En esta exposición, además, Uri ha perdido la colaboración de reconocidos artistas de la talla de Miss Van o Cinta Vidal, entre otros, que han participado en algunas de las obras aportando pequeñas pinceladas que se salen de sus propias zonas de confort, como una invitación a explorar nuevos caminos juntos. 

Mis muertos. Dead Relations
Del 06 julio al 22 septiembre
N2 Galería
Enric Granados, 61
Entrada gratuita

Publicado el 10 de julio de 2017

ACTO 38: Mònica Planes

Mònica Planes sintetiza el espacio expositivo del Nivell Zero de la Fundació Suñol hasta llegar a sus características más estructurales.

El ACTO 38: Mònica Planes. Nivell Zero presenta la obra que la artista ha realizado en el marco de la Beca Han Nefkens - Postgraduados UB del 2016. En esta exposición, coorganizada por la Fundación Suñol, la Fundació Han Nefkens y el Máster en Producción e Investigación Artística de la Facultad de Bellas Artes de la Universitat de Barcelona, Planes sintetiza el espacio expositivo hasta llegar a sus características más estructurales, llevándolo a su estado cero. En un mundo dominado por las imágenes, la artista nos propone una toma de consciencia de nuestra presencia a través de objetos que nos conectan con el entorno y nos dan herramientas para construir un nuevo espacio mediante la observación, la asociación y la interacción. 

La obra de Mònica Planes (Barcelona, 1992) investiga nuevas formas de relación con el espacio cotidiano que depuren y se liberen de aquellas estructuras predeterminadas que condicionan nuestra manera de habitarlo. En esta línea, todas las piezas que configuran el ACTO 38: Mònica Planes. Nivell Zero nos dan información y nos remiten al lugar en el que se encuentran. Planes aborda el espacio del Nivell Zero a través de manipulaciones escultóricas que lo reordenan y lo transforman con resultados que van desde la más rigurosa literalidad a la abstracción geométrica más simple. Arquitectura, modelo y objeto se mezclan en un juego autoreferencial en el que se intercambian las apariencias y las propiedades que nos permiten identificarlos. Así, la artista busca apropiarse de todo aquello que identifica el espacio cuando se está supuestamente vacío: las baldosas, el cemento, la luz, el vidrio y hasta el logotipo de la fundación. Todos estos elementos son el punto de partida para la creación de piezas que devienen prolongaciones del espacio. 

ACTO 38: Mònica Planes
Del 06 julio al 26 agosto
Nivell Zero - Fundació Suñol
Rosselló, 38
Entrada gratuita

Publicado el 09 de julio de 2017

Léxico familiar

La Virreina presenta la obra de Paula Rego, artista que ha configurado durante medio siglo una persistente fábula sobre la naturaleza humana. 
Paula Rego, El despacho de Shakespeare, 2006

La obra de Paula Rego (Lisboa, 1935) puede leerse como una gran fábula sobre la conducta humana. Así, los vínculos de dominio y dependencia, el rencor ante las injusticias sociales, la persecución de los cuerpos irreverentes o la sexualidad constreñida por el moralismo conservador son temas que reaparecen de forma cíclica en sus pinturas y les otorgan cierto carácter existencial. Por otra parte, los trabajos de Rego entablan un diálogo cáustico con la historia y con el tiempo inmediato, discrepan de la herencia cultural del patriarcado y denuncian aquellos agresiones que provienen de las jerarquías del poder. Mediante metáforas y exabruptos, cruzando relatos literarios y vivencias personales, la artista ha confeccionado, durante más de medio siglo, un imaginario enérgico y antinormativo poblado por seres que saltan del estupor a la indisciplina, de la frialdad a la violencia. 

La evolución artística de Paula Rego es un auténtico crisol de disparidades y reformulaciones. En este sentido, sus primeras piezas participan de un lenguaje abstracto cercano a Vieira da Silva y a Dubuffet, mientras que su producción posterior, próxima a la llamada Escuela de Londres -Bacon, Freud, Kossoff, Auerbach y Andrews, entre otros-, cabe situarla como heredera del expresionismo de Goya y del sarcasmo de Hogarth, junto a Daumier y Gutiérrez Solana, en sintonía con las atmósferas turbadoras de Balthus y la obscenidad refinada de Klossowski. Sin embargo, a diferencia de los artistas anteriores, Rego incorporó una mayor permeabilidad respecto a otras fuentes ajenas a la pintura -por ejemplo, el teatro, la ópera, las narraciones populares y el cine-, y también ha desplegado una suerte de vasta exploración sobre cómo las mujeres organizaron sus espacios de disidencia histórica

Tomando el título de la novela homónima de Natalia Ginzburg, la exposición Léxico familiar recorre seis décadas de la obra de Paula Rego: entre sus dibujos de los años cincuenta y algunos proyectos recientes, sin olvidar las series dedicadas al aborto, a Jane Eyre de Charlotte Brontë y a Misericordia de Benito Pérez Galdóz, o las piezas inspiradas en la dramaturgia de Martin McDonagh. 

Léxico familiar
Del 08 julio al 08 octubre
La Virreina
La Rambla, 99
Entrada gratuita

Publicado el 03 de julio de 2017

Weege by Weegee

Foto Colectania reúne un centenar de fotografías de Weegee, el célebre cronista del Nueva York más oscuro de los años treinta y cuarenta. 

En el Nueva York convulso de los años 30 y 40, Weegee, seudónimo de Arthur Fellig, era un reportero gráfico freelance que publicaba en todos los grandes periódicos y que convirtió el crimen en espectáculo. Siempre alerta, llevaba en su coche una radio sintonizada con la frecuencia de la policía que le permitía llegar el primero a la escena del crimen. Su técnica, de duros contraluces, daba a sus fotografías un aura de verismo y dramatismo que sigue impactando al espectador

En su biografía, Weegee explica: "Mi coche se convirtió en mi hogar. Era un biplaza, con un maletero especial extragrande. Guardé todo allí: una cámara extra, los casquillos de las bombillas de flash, una máquina de escribir, botas de bombero, cajas de cigarros, salami, película de infrarrojos para disparar en la oscuridad, un recambio de ropa interior, uniformes, disfraces y zapatos extras y calcetines (...) A partir de entonces ya no estuve pegado al teletipo de la sede de la policía. Tuve alas. Ya no tenía que esperar que el crimen viniera a mí; podía ir tras él. La radio de la policía era mi modo de vida. Mi cámara... mi vida y mi amor... era mi lámpara de Aladino". 

La muestra que se presenta ahora en Foto Colectania ofrece una cuidada selección de su trabajo, desde imágenes de crímenes, incendios o accidentes hasta escenas de eventos sociales y populares, como las aglomeraciones en las playas de Coney Island o en otros lugares de ocio de los neoyorquinos de entonces. Weegee fotografiaba un cadáver, pero también un baile de máscaras o un niño solitario; en sus fotos hay oscuridad, pero también ternura. Sin embargo, una de las singularidades de esta exposición es que muestra junto a las fotografías del autor, materiales originales de los periódicos y revistas donde se publicaron sus imágenes, así como los fotolibros más célebres del reportero, como la edición original de Naked City, que se publicó en 1945 y se convirtió inmediatamente en un best seller. Casi un siglo después de sus primeras fotos, la obra de Weegee sigue emocionando tanto al público como a la crítica, gracias a su estilo descarnado y dramático que consiguió reflejar la sociedad y la vida nocturna de una ciudad que él conocía mejor que nadie

Weegee by Weegee
Del 05 julio al 05 noviembre
Foto Colectania
Passeig Picasso, 14
Entrada: 4€

Publicado el 03 de julio de 2017

The Way Things Do

La Fundació Joan Miró presenta The Way Things Do, una exposición colectiva comisariada por Serafín Álvarez y Martina Millà. 

En 1987 los artistas suizos Peter Fischli y David Weiss presentaron el filme Der Lauf der Dinge, conocido internacionalmente como The Way Things Go. La película muestra la reacción en cadena de una gran multitud de objetos y sustancias que se activan y se conectan entre sí, como si estuviesen predeterminados por una acción continua de causa-efecto. La sucesión, aparentemente azarosa y caótica, está meticulosamente coreografiada. En la misma década de los ochenta nacieron Daniel Jacoby & Yu Araki, Serafín Álvarez y Cécil B. Evans, los artistas que, con motivo de los 30 años de la película del dúo suizo, han realizado nuevas producciones a partir de esta pieza. 

The Way Things Do ofrece una mirada desde la cual los artistas exploran la idea de objeto como una realidad autónoma, compleja e inagotable. Sus obras muestran los intríngulis que se esconden detrás de un deporte japonés tradicional que actualmente solo se celebra en un único circuito en todo el mundo; se aproximan a las relaciones que los fans desarrollan con objetos de consumo pertenecientes a universos de ficción, y construyen un relato en el que humanos, datos, máquinas e inteligencias artificiales colaboran. 

The Way Things Do
Del 30 junio al 01 octubre
Fundació Joan Miró
Parc de Montjuic
Entrada: 7€

Publicado el 26 de junio de 2017

Every blind wondering ends in a circle

La Blueproject Foundation presenta Every blind wondering ends in a circle, la primera exposición personal del mejicano José Dávila en Barcelona. 

Every blind wondering ends in a circle presenta cuatro esculturas de la serie Joint Effort (Esfuerzo conjunto), grupo de obras en las que el artista José Dávila (Guadalajara, 1974) reflexiona sobre la atracción y la tensión entre los materiales, enfatizando, en este caso, la relación de transparencia y opacidad de los mismos. Estas esculturas transmiten simultáneamente los intereses del artista por la arquitectura, el minimalismo y la historia del arte y captan un momento de suspensión y tranquilidad ominosa. Su aparente quietud es el resultado de la correspondencia entre las fuerzas, el equilibrio y la gravedad de la Tierra. 

El trabajo escultórico de Dávila insiste en una oposición de materiales aparentemente antagónicos cuyas fuerzas y formas se equilibran para modelar un todo armónico que transforma sus creaciones en una suerte de efigies de nuestras dudas y contradicciones. Unas aporías formales, visuales y materiales de las que se adueñan unas esculturas en las que conviven la fragilidad y la resistencia, la calma y la tensión, la geometría y el azar. Una inestable quietud cuya sugerente poesía transforma el acogedor espacio de Il Salotto en un recorrido de reflejos inesperados y tangibles diálogos, en un campo de destellos y símbolos. 

Every blind wondering ends in a circle
Del 20 junio al 29 octubre
Blueproject Foundation
Princesa, 75
Entrada gratuita

Publicado el 26 de junio de 2017